De l'inflation des coûts à Hollywood.

[Red Helling]

En fait l'une des raisons est peut-être pour partager le moins possible. Combien ont un pourcentage sur recettes plutôt que sur bénéfices ? Probablement peu... Et donc là ça devient intéressant de gonfler le budget... On parlait de Forrest Gump plus haut, ils ont effectivement voulu faire croire que le film n'était pas rentable... il y a ici l'histoire de l'auteur du livre et de son pourcentage sur bénéfices (je précise que l'histoire se raconte aussi en disant qu'il aurait eu gain de cause. Je ne sais pas du tout).

http://konvexity.wordpress.com/2013/01/ ... rest-gump/

Si un budget réel est de 100 millions de dollars mais ils annoncent 250 millions, ça fait une marge de 150 millions de dollars sur laquelle ils ne doivent rien à ceux qui touchent sur les bénéfices... Et si le film marche en dessous du budget annoncé mais au dessus du budget réel, c'est aussi intéressant... Donc c'est peut-être l'une des raisons... Difficile à dire...

[bluesoul]

Interessant...(le lien et l'explication du professeur est top nickel! Bien vu! )

A l'arrivee, ca tourne autour du tripatouillage des chiffres (les comptables diront de leur "lecture"--et "comprehension"), donc "au mieux"(?), c'est de l'arnaque / chasse au pigeon, "au pire" de la fraude pure et simple... O tempora, o mores (comme dit Asterix! )

Ajout: chercher Forrest Gump sur wiki finit par emmener vers le lien suivant:

https://en.wikipedia.org/wiki/Hollywood_accounting

Hollywood accounting (also known as Hollywood bookkeeping) refers to the opaque or creative accounting methods used by the film, video and television industry to budget and record profits for film projects. Expenditures can be inflated to reduce or eliminate the reported profit of the project, thereby reducing the amount which the corporation must pay in royalties or other profit-sharing agreements, as these are based on the net profit.

Quelques examples tres parlants :

According to Lucasfilm, Return of the Jedi, despite having earned $475 million at the box office against a budget of $32.5 million, "has never gone into profit".

Stan Lee, co-creator of the character Spider-Man, had a contract awarding him 10% of the net profits of anything based on his characters.

The film Spider-Man (2002) made more than $800 million in revenue, but the producers claim that it did not make any profit as defined in Lee's contract, and Lee received nothing. In 2002 he filed a lawsuit against Marvel Comics.

Peter Jackson, director of The Lord of the Rings, and his studio Wingnut Films, brought a lawsuit against New Line Cinema after an audit. Jackson stated this is regarding "certain accounting practices".

In response, New Line stated that their rights to a film of The Hobbit were time-limited, and since Jackson would not work with them again until the suit was settled, he would not be asked to direct The Hobbit, as had been anticipated.

Fifteen actors are suing New Line Cinema, claiming that they have never received their 5% of revenue from merchandise sold in relation to the movie, which contains their likeness.

Similarly, the Tolkien estate sued New Line, claiming that their contract entitled them to 7.5% of the gross receipts of the $6 billion hit.

According to New Line's accounts the trilogy made "horrendous losses" and no profit at all.

A Hollywood, la chasse aux gogos est ouvert 24/7 toute l'annee.

Pour l'anecdote, il n'y a au final pas qu'Hollywood qui se montre "radin" avec ses contributeurs.

Au Japon, l'adaptation cine "live" du Manga Thermae Romae a encaisse au Japon 5.98 Milliard JPY (disons 45 Mio d'EUR), devenant le 95eme succes historique en salle dans l'archipel.

Je n'en mettrais pas ma main au feu, mais je crois que le budget etait de 2 Mia JPY (moins de 15 Mio d'EUR).

D'un autre cote, l'auteur du Manga; Mari Yamazaki; invitee dans une emission TV et lorsqu'on lui a demande combien elle a touche, annoncait a un public medusee (et en tirant la g... 1 Mio de JPY (meme pas 8,000 EUR ). Les invites du plateau lui suggerait gentiment de trainer les producteurs en justice...

[Ikarus]

Le système rémunération et de droits des licences au Japon est différent de celui en occident. Un mangaka ne possède pas son œuvre, elle appartient à sa maison d'édition et il n'est qu'un employé chargé de travailler dessus (à moins que le contraire ne soit précisé dans son contrat). Il faut que l'auteur gagne en poids et en popularité pour espérer récupérer ce qu'il a créer. Un peu ce qu'y est arrivé à Johnny Hallyday avec ses premiers album.

[Drac]

Un mangaka ne possède pas son œuvre, elle appartient à sa maison d'édition et il n'est qu'un employé chargé de travailler dessus (à moins que le contraire ne soit précisé dans son contrat).

C'est comme ça aussi aux USA, Les personnages Marvel appartiennent à Marvel, pas à leurs créateurs. La société Image Comics a été créée par des auteurs afin de laisser le copyright des personnages de bande dessinée à leurs propres créateurs, ce qui a posé quelques soucis (un procès en Todd McFarlane et Neil Gaiman).

[leWalrus]

Gros up, presque 2 ans après pour apporter un début de réponse à la question qu'on se pose tous : Combien on peut produire de "Lac des morts-vivants" pour le budget sushi de Avenger 2 ?

Voici un article qui répond partiellement à la question : http://www.vanityfair.com/news/2017/01/ ... ready-over

(contenu en spoiler si l'article disparaît un jour)

Spoiler : :

A few months ago, the vision of Hollywood’s economic future came into terrifyingly full and rare clarity. I was standing on the set of a relatively small production, in Burbank, just north of Los Angeles, talking to a screenwriter about how inefficient the film-and-TV business appeared to have become. Before us, after all, stood some 200 members of the crew, who were milling about in various capacities, checking on lighting or setting up tents, but mainly futzing with their smartphones, passing time, or nibbling on snacks from the craft-service tents. When I commented to the screenwriter that such a scene might give a Silicon Valley venture capitalist a stroke on account of the apparent unused labor and excessive cost involved in staging such a production—which itself was statistically uncertain of success—he merely laughed and rolled his eyes. “You have no idea,” he told me.

After a brief pause, he relayed a recent anecdote, from the set of a network show, that was even more terrifying: The production was shooting a scene in the foyer of a law firm, which the lead rushed into from the rain to utter some line that this screenwriter had composed. After an early take, the director yelled “Cut,” and this screenwriter, as is customary, ambled off to the side with the actor to offer a comment on his delivery. As they stood there chatting, the screenwriter noticed that a tiny droplet of rain remained on the actor’s shoulder. Politely, as they spoke, he brushed it off. Then, seemingly out of nowhere, an employee from the production’s wardrobe department rushed over to berate him. “That is not your job,” she scolded. “That is my job.”

News. Hollywood. Style. Culture.
For more high-profile interviews, stunning photography, and thought-provoking features, subscribe now to Vanity Fair magazine.

The screenwriter was stunned. But he had also worked in Hollywood long enough to understand what she was really saying: quite literally, wiping rain off an actor’s wardrobe was her job—a job that was well paid and protected by a union. And as with the other couple of hundred people on set, only she could perform it.

This raindrop moment, and the countless similar incidents that I’ve observed on sets or heard about from people I’ve met in the industry, may seem harmless and ridiculous enough on its face. But it reinforces an eventuality that seems both increasingly obvious and uncomfortable—one that might occur to you every time you stream Fringe or watch a former ingénue try to re-invent herself as a social-media icon or athleisure-wear founder: Hollywood, as we once knew it, is over.

In the mid-90s, the first time I downloaded an MP3, I realized that the music industry was in grave trouble. People who were my age (I wasn’t old enough to legally drink yet) didn’t want to spend $20 on a whole compact disc when all we coveted was a single song on the album. Moreover, we wanted our music immediately: we preferred to download it (illegally) from Napster or eventually (legally) from iTunes without the hassle of finding the nearest Sam Goody. It turned out that this proclivity for efficiency—customizing your music and facilitating the point of sale—was far from a generational instinct. It explains why the music industry is roughly half the size it was one decade ago.

Video: How Marvel Studios Achieves Cinematic Greatness

These preferences weren’t confined to music, either. I also felt the raindrop moment firsthand when I began working at The New York Times, in the early 2000s. Back then, the newspaper’s Web site was treated like a vagrant, banished to a separate building blocks away from the paper’s newsroom on West 43rd Street. Up-and-coming blogs—Gizmodo, Instapundit, and Daily Kos, which were setting the stage for bigger and more advanced entities, such as Business Insider and BuzzFeed—were simultaneously springing up across the country. Yet they were largely ignored by the Times as well as by editors and publishers at other news outlets. More often than not, tech-related advances—including e-readers and free online blogging platforms, such as WordPress and Tumblr—were laughed at as drivel by the entire industry, just as Napster had been years earlier.

Of course, the same logic that had decimated music would undermine print publishing: readers didn’t want to travel to a newsstand to buy a whole newspaper when they were interested only in one story or two. And, in so many cases, they really didn’t care all that much whose byline was at the top of the piece. Subsequently, newspaper advertising revenues fell from $67 billion in 2000 to $19.9 billion in 2014. Meanwhile, the same pummeling occurred in the book-publishing world. Many consumers didn’t want hardcover books for $25 when digital versions were available for $9.99. An algorithm generally provided better suggestions than an actual in-store clerk. And consumers never had to leave home to get the book they wanted. Amazon, knowing this, eviscerated the business. While print sales have finally leveled out (largely through a reliance on science fiction and fantasy), the industry has seen sales fall precipitously over the past decade.

“IN MY MIND, HOLLYWOOD IS DYING,” MIKE MORITZ TOLD ME.

Hollywood, these days, seems remarkably poised for a similar disruption. Its audiences increasingly prefer on-demand content, its labor is costly, and margins are shrinking. Yet when I ask people in Hollywood if they fear such a fate, their response is generally one of defiance. Film executives are smart and nimble, but many also assert that what they do is so specialized that it can’t be compared to the sea changes in other disrupted media. “We’re different,” one producer recently told me. “No one can do what we do.”

That response, it’s worth recalling, is what many editors and record producers once said. And the numbers reinforce the logic. Movie-theater attendance is down to a 19-year low, with revenues hovering slightly above $10 billion—or about what Amazon’s, Facebook’s, or Apple’s stock might move in a single day. DreamWorks Animation was sold to Comcast for a relatively meager $3.8 billion. Paramount was recently valued at about $10 billion, approximately the same price as when Sumner Redstone acquired it, more than 20 years ago, in a bidding war against Barry Diller. Between 2007 and 2011, overall profits for the big-five movie studios—Twentieth Century Fox, Warner Bros., Paramount Pictures, Universal Pictures, and Disney—fell by 40 percent. Studios now account for less than 10 percent of their parent companies’ profits. By 2020, according to some forecasts, that share will fall to around 5 percent. (Disney, partly owing to Star Wars and its other successful franchises, is likely to be a notable outlier.)

Show business, in many ways, has entered a vicious cycle set off by larger economic forces. Some 70 percent of box office comes from abroad, which means that studios must traffic in the sort of blow-’em-up action films and comic-book thrillers that translate easily enough to Mandarin. Or in reboots and sequels that rely on existing intellectual property. But even that formula has dried up. Chinese firms, including Dalian Wanda, are rabidly acquiring companies such as Legendary Entertainment, AMC, and Carmike Cinemas, a smaller theater chain, with an apparent goal of learning how Hollywood does what it does so China can do it better. As The Wall Street Journal reported last summer, more sequels bombed than did not. Fortune called it “a summer of big flops.” MGM’s Ben-Hur, which was produced by Mark Burnett, cost $100 million and yet grossed only $11 million in its opening weekend.

But the real threat isn’t China. It’s Silicon Valley. Hollywood, in its over-reliance on franchises, has ceded the vast majority of the more stimulating content to premium networks and over-the-top services such as HBO and Showtime, and, increasingly, digital-native platforms such as Netflix and Amazon. These companies also have access to analytics tools that Hollywood could never fathom, and an allergy to its inefficiency. Few have seen the change as closely as Diller himself, who went from running Paramount and Fox to building his own tech empire, IAC. “I don’t know why anyone would want a movie company today,” Diller said at Vanity Fair’s New Establishment Summit in October. “They don’t make movies; they make hats and whistles.” (Half of the people in the audience, likely representing the tech industry, laughed at this quip; the other half, from Hollywood, cringed.) When I spoke to Mike Moritz, the iconic venture capitalist, backstage at the event, he noted that a nominal investment in a somewhat successful tech company could generate more money than Hollywood’s top-grossing movies. “In my mind,” he said, “Hollywood is dying.”
II. Here Comes Facebook

Part of the problem, it seems, is that Hollywood still views its interlopers from the north as rivals. In reality, though, Silicon Valley has already won. It’s just that Hollywood hasn’t quite figured it out yet.

When Netflix started creating its own content, in 2013, it shook the industry. The scariest part for entertainment executives wasn’t simply that Netflix was shooting and bankrolling TV and film projects, essentially rendering irrelevant the line between the two. (Indeed, what’s a movie without a theater? Or a show that comes available in a set of a dozen episodes?) The real threat was that Netflix was doing it all with the power of computing. Soon after House of Cards’ remarkable debut, the late David Carr presciently noted in the Times, “The spooky part . . . ? Executives at the company knew it would be a hit before anyone shouted ‘action.’ Big bets are now being informed by Big Data.”

Carr’s point underscores a larger, more significant trend. Netflix is competing not so much with the established Hollywood infrastructure as with its real nemeses: Facebook, Apple, Google (the parent company of YouTube), and others. There was a time not long ago when technology companies appeared to stay in their lanes, so to speak: Apple made computers; Google engineered search; Microsoft focused on office software. It was all genial enough that the C.E.O. of one tech giant could sit on the board of another, as Google’s Eric Schmidt did at Apple.

These days, however, all the major tech companies are competing viciously for the same thing: your attention. Four years after the debut of House of Cards, Netflix, which earned an astounding 54 Emmy nominations in 2016, is spending $6 billion a year on original content. Amazon isn’t far behind. Apple, Facebook, Twitter, and Snapchat are all experimenting with original content of their own. Microsoft owns one of the most profitable products in your living room, the Xbox, a gaming platform that is also a hub for TV, film, and social media. As The Hollywood Reporter noted this year, traditional TV executives are petrified that Netflix and its ilk will continue to pour money into original shows and films and continue to lap up the small puddle of creative talent in the industry. In July, at a meeting of the Television Critics Association in Beverly Hills, FX Networks’ president, John Landgraf, said, “I think it would be bad for storytellers in general if one company was able to seize a 40, 50, 60 percent share in storytelling.”

It would be wrong, however, to view this trend as an apocalypse. This is only the beginning of the disruption.

So far, Netflix has merely managed to get DVDs to people more quickly (via streaming), disrupt the business plan of the traditional once-a-week, ad-supported television show, and help solidify the verb “binge” in today’s culture. The laborious and inefficient way shows and films are still made has not been significantly altered. That set I visited in Los Angeles with its 200 workers wasn’t for an NBC or FX show; it was actually a production for a streaming service. The same waste and bloated budgets exist across the entire industry. To put the atrophy into perspective, a single episode of a typically modest television show can cost $3 million to shoot and produce. By comparison, a typical start-up in Silicon Valley will raise that much to run a team of engineers and servers for two years.

But all those TV workers feel as if they are in safe harbor, given that the production side of a project is protected by the unions—there’s the P.G.A., D.G.A., W.G.A., SAG-AFTRA, M.P.E.G., and I.C.G., to name just a few. These unions, however, are actually unlikely to pose a significant, or lasting, protection. Newspaper guilds have been steadily vanquished in the past decade. They may have prevented people from losing jobs immediately, but in the end they have been complicit in big buyouts that have shrunk the newspaper industry’s workforce by 56 percent since 2000. Moreover, start-ups see entrenched government regulation, and inert unions, not so much as impediments but as one more thing to disrupt. Uber and Lyft have largely dominated unions and regulators as they have spread around the world. Unions did not impede Airbnb from growing across American cities. (The company has 2.3 million listings in 34,000 cities.) Google, Facebook, ad-tech giants, and countless others have all but stampeded demands for increased privacy online from groups such as the A.C.L.U. And that’s just to cite the most obvious examples. In the 1950s, the movies were the third-largest retail business in the U.S., surpassed only by grocery stores and car dealerships. Look what Silicon Valley has already done to the other two sectors.

At the heart of the disruption is the most profound element of Hollywood: the theater. Just as customers now generally eschew albums for singles (or streaming services such as Spotify), and hardcovers for more economical e-books, we will eventually stop going to the movies, which are already expensive, limiting, and inconvenient. Instead the movies will come to us. If the industry continues the process of “windowing” (in which studios wait weeks, or sometimes months, to release a film that has already been in the theaters onto other platforms), people will continue to steal a movie they want to see, or they’ll simply stop watching them altogether. (In 2015, the top films in theaters were illegally downloaded more than half a billion times.) Meanwhile, consumers will continue to opt for other forms of entertainment, such as YouTube, Netflix, and video games, or turn to Instagram or Facebook.

Video: Why Barry Diller Isn't Buying Movie Studios

And it’s only a matter of time—perhaps a couple of years—before movies will be streamed on social-media sites. For Facebook, it’s the natural evolution. The company, which has a staggering 1.8 billion monthly active users, literally a quarter of the planet, is eventually going to run out of new people it can add to the service. Perhaps the best way to continue to entice Wall Street investors to buoy the stock—Facebook is currently the world’s seventh-largest company by market valuation—will be to keep eyeballs glued to the platform for longer periods of time. What better way to do that than a two-hour film?

This might begin with Facebook’s V.R. experience. You slip on a pair of Oculus Rift glasses and sit in a virtual movie theater with your friends, who are gathered from all around the world. Facebook could even plop an advertisement next to the film, rather than make users pay for it. When I asked an executive at the company why it has not happened yet, I was told, “Eventually it will.”
III. A.I. Aaron Sorkin

The speed with which technologies can change an industry today is truly staggering. Uber, which is eight years old, is worth more than 80 percent of the companies on the Fortune 500 list. When Silicon Valley goes after a new industry, it does so with a punch to the gut.

Hollywood executives may invoke their unique skills, but engineers are unlikely to see things quite that way. We generally assume that artificial intelligence poses a risk to lower-skilled jobs, such as trucking or driving cabs. But the reality is that the creative class will not be unharmed by software and artificial intelligence. Researchers at M.I.T.’s Computer Science and Artificial Intelligence Laboratory are looking at ways to teach computers how to corral information so as to perceive occurrences before they even happen. At present, this application anticipates events that will move markets, or monitors security cameras to help emergency responders before something tragic occurs.

But there are other applications for these kinds of technologies, too. If you could give a computer all the best scripts ever written, it would eventually be able to write one that might come close to replicating an Aaron Sorkin screenplay. In such a scenario, it’s unlikely that an algorithm would be able to write the next Social Network, but the end result would likely compete with the mediocre, and even quite good, fare that still populates many screens each holiday season. The form of automation would certainly have a massive impact on editors, who laboriously slice and dice hundreds of hours of footage to create the best “cut” of a film or TV show. What if A.I. could do that by analyzing hundreds of thousands of hours of award-winning footage? An A.I. bot could create 50 different cuts of a film and stream them to consumers, analyzing where viewers grow bored or excited, and change the edits in real time, almost like A/B testing two versions of a Web page to see which one performs better.

Actors, in many ways, have been disrupted for years—from the reliance on costumed superheroes to the rise of C.G.I. filmmaking. Many agents whom I’ve spoken with already seem to know this and have moved their portfolios away from Hollywood to include, among others, clients from professional sports. There is a reason we see so many once promising actors, from Jessica Alba to Kate Hudson to Jessica Biel to the Mowry sisters, looking to re-invent themselves in new careers during their 30s and 40s, once their prime. The future augurs less of a need for actors other than, despite Donald Trump’s puerile objections, the Meryl Streeps of the world.

Kim Libreri, who spent years in the film industry working on special effects for films such as The Matrix and Star Wars, predicts that by 2022 graphics will be so advanced that they will be “indistinguishable from reality.” In some respects, that is already on the verge of happening. If you watched Rogue One, you will have noticed that Peter Cushing appeared as one of the main actors in the film, which was shot last year in London. Cushing, who died in 1994, was (mostly) rendered in C.G.I. The same was true for Princess Leia, played by the late Carrie Fisher, who has a cameo at the end. The C.G.I.-enhanced version of herself hasn’t aged a day since 1977. “While stars used to be able to make a movie, now they can hurt it,” one Hollywood producer lamented to me. His outlook resembled Moritz’s: “The movie star, like everything else in Hollywood, is dying.”
IV. The Audience Wins

In all of these instances of technological disruption—A.I., C.G.I. actors, algorithmic editors, etc.—there will be the exceptions. Like everything else involving money and creativity, there will indeed be a top category—those who have great, new, innovative ideas, and who stand above everyone else—that is truly irreplaceable. (Indeed, this has proved to be the case in music, journalism, and publishing.) There will be great screenwriters and even great actors. The real winners, however, are the consumers. We won’t have to pay $50 to go to the movies on a date night, and we’ll be able to watch what we want to watch, when we want, and, most important, where we want.

And while Hollywood could take control of its fate, it’s very difficult for mature businesses—ones that have operated in similar ways for decades and where the top players have entrenched interests—to embrace change from within. Instead, one can imagine the future looking something like this: You come home (in a driverless car) and say aloud to Alexa or Siri or some A.I. assistant that doesn’t exist yet, “I want to watch a comedy with two female actors as the leads.” Alexa responds, “O.K., but you have to be at dinner at eight P.M. Should I make the movie one hour long?” “Sure, that sounds good.” Then you’ll sit down to watch on a television that resembles digital wallpaper. (Samsung is currently working on flexible displays that will roll up like paper and could encompass an entire room.) And you might, through the glory of A.I., be able to watch with your spouse, who is halfway around the world on a business trip.

There are other, more dystopian theories, which predict that film and video games will merge, and we will become actors in a movie, reading lines or being told to “look out!” as an exploding car comes hurtling in our direction, not too dissimilar from Mildred Montag’s evening rituals in Fahrenheit 451. When we finally get there, you can be sure of two things. The bad news is that many of the people on the set of a standard Hollywood production won’t have a job anymore. The good news, however, is that we’ll never be bored again.

Comme quelqu'un l'avait mentionné il semble que les syndicats y soient pour beaucoup. De même, il y a cette mode de faire des suites pour tenter de limiter la casse.

L'article est très pessimiste avec l'avenir d'Hollywood. Ceci dit les chiffres sont assez tristes et je ne pense pas qu'on fasse beaucoup la fête à Hollywood en ce moment...

[bluesoul]

C'etait moi avec l'anecdote sur le film "americain" de Kitano et le staff US qui regardaient des trous dans l'air.

Disons que comme sur beaucoup d'autres sujet, les ricains tirent tellement sur l'elastique, qu'il finit par claquer.

Le phenomene des staffs qui ne servent a rien ne date pas d'hier, il n'y a qu'a se rappeller l'exode des films vers l'Australie et la Nouvelle-Zelande dans les annees 2000s et vers le Canada dans les annees 90s. On essayait de limiter la casse en beneficiant de "tax-breaks" cinematographiques locaux.

L'article va plus loin que ca, enfin, plus loin qu'Hollywood.

Hollywood trinque, la tele US aussi, mais au-dela du territoire US, des librairies ferment egalement, tout comme des salles de cinema qui vivotent ou des "fournisseurs/magasins de culture" qui periclitent, sans compter les magasins en "durs" ("brick-and-mortar" shops) qui ferment en masse. Rajoutons que maintenant, les bibliotheques commencent a fermer aussi...

La faute a qui?

Le "progres", oui, sans doute. L'illegalite (i.e. sites de downloads, etc), oui, mais pas que. La qualite, peut-etre (films et musique "en berne" et appareillage qui "se valent").

Je pense par contre aussi que les priorites des gens changent.

De nouveau, la faute au progres qui nous rend solitaires et sedentaires--sans compter qu'un jour n'a que 24 heures et si on passe 8 heures au bureau, 8 heures a dormir/manger/etc et 8 heures sur son smartphone on est full-booked(!), voire une technologie qui nous rend "opportunistes" (i.e. l'illegal) ou tatillons--ou pas (la "qualite").

A part ca, il y a 2 choses que rien ne changera, ni avancees technologiques, ni rien: le temps est limite (24 heures par jour) et nos moyens (financiers) aussi.

Ainsi, je pense que nous vivons a une epoque ou paradoxalement nous avons acces A TOUT, ABSOLUMENT TOUT et un choix ILLIMITE en activites de toutes sortes, ce qui sature notre temps disponible, mais aussi, la est le paradoxe, nos moyens (financiers) et temporels n'augment pas et nous ne pouvons nous permettre que de moins en moins de ses activites (au pro-rata, s'entend).

Je suis completement d'accord avec la conclusion: "The good news, however, is that we’ll never be bored again." Je situerais par contre le contrepoids (negatif) ailleurs (qu'Hollywood) et poserais plutot la question: en echange de "cet avatange" de ne plus nous ennuyer, qu'aurons nous du abandonner...?

Pour en revenir a Hollywood, je pense qu'a moyen/long-terme, les studios vont etre "integres" dans les gagnants de la course technologique (l'article le sous-entend).

Apres tout, Amazon, Facebook, Netflix ont besoin de studios, de leur logistique, de leur technologies, de leurs acteurs. Ce qui dans un deuxieme temps...plombera leurs finances .

Purement a long terme, quitte a paraitre TRES pessimiste (pour Hollywood s'entend), je pense que technologies et AI remplacera Hollywood (i.e. films en full-CG impossibles a distinguer de la realite avec acteurs CG-ises ou "crees", tournages en decors CG-ises ou crees de toutes pieces). Plus de syndicats, plus de vedettes reveches, le tout "outsource" en Inde ou en Chine.

On pourrait aussi imaginer une "Uber-isation" du cinema, genre mettre en commun les capacites informatiques de milliers/millions d' ordinateurs personnels pour un projet de film commun (ca existait deja il y a une dizaine d'annees pour des projets de recherches!). Imaginez une banniere: "Participez a la production d'Avengers / Justice League XII, downloadez l'application suivante et laissez tourner votre pc la nuit". (Prends ca dans les dents l'Inde ou la Chine! )

Simulation: en 2030, bibi fera la "queue" (queue sur Netflix s'entend) en attendant que commence Casablanca 2 avec Bogart, Bergman et Rains. Est-ce une mauvaise chose? Je ne sais pas. Je vous le dirais quand j'aurais vu le film...

Les choses evoluent, Hollywood en fait partie. Paradoxalement, le spectateur ne compte guere dans l'equation en elle-meme, car il ne fait que se retrouver face au resultat final...C'est la qu'il tranchera: pouce incline vers le bas ou pouce leve.

Au final, vu comme ca, rien n'aura change en 2000 ans...Ou peut-etre si; le "plus les choses changent moins elles évoluent" devient "plus les choses evoluent moins elles changent"...

On parle de plus en plus de "revenu de base" ces derniers temps, peut-etre qu'on aura le "divertissement de base" avec...? (genre: Netflix ou Amazon Prime de paye par l'Etat, question de "binge-occuper" les gens et de leur donner mieux a faire que de trainer dans les cages d'escaliers ou de manifester...)

Comme de toute facon, on ne sait rien faire, euh..."wait and see"?

Juste mes 2 cents d'Euros...

P.S. Perso, j'ai de plus en plus tendance a etre nostalgique de la periode pre-internet. J'ai l'impression d'avoir ete plus "riche", plus "diverti" et moins "stresse". Est-ce grave, docteur...?

[leWalrus]

Je rejoins totalement Bluesoul.

Je pense que la technologie va être en effet au coeur des futurs productions. On voit bien que cela fait des années qu'on cherche à nous raconter des histoires sans avoir besoin d'acteurs et de toute la logistique des plateaux actuels (syndicats mais aussi les coûteux coûts de production, de reshoot, etc.).
Donc on va y aller à fond dans les années à venir.

Les films et les séries TV sont essentiellement des produits destinés à nous divertir. Donc, si on est diverti par un film, on ira voir la suite. Si on aime pas, il y aura pas de suite c'est tout.

Là je regarde ma consommation des films / série TV sur 2016 : j'ai acheté 0 blu-ray (on m'en a offert 5), j'ai acheté 7 ou 8 Dvd d'occasion (pour 10€). Je ne suis allé au ciné qu'une seule fois.
J'ai un abonnement Netflix et un Amazon Prime (Vidéo).

Il y a tellement de truc à voir qu'il faudrait une sacré sortie ciné pour me motiver à payer 20€ (prix des place à deux + transports en commun ou parking) pour avoir une expérience ciné plus que limite (qualité de la projection, qualité du film, mais aussi environnement de plus en plus déplaisant dans la salle). Maintenant, j'attends 3 ans et j'ai ça en VOD, ou en DVD dans des packs à 30€ les 5 films

J'ai aussi l'impression qu'il y avait moins de production dans les années 90. Du coup, maintenant, quand il y a un film, il est en concurrence avec tous les autres qui sortent dans la même fenêtre. Qu'on le veuille ou non, les films de superhéros sont tous plus ou moins en concurrence : je suis allé voir Deadpool parce que j'ai choisi ce film alors que je savais que Civil War, Batman VS Superman ou le dernier Xmen. Du coup, les studio ont tendance à mettre le paquet en production value (casting, image, fx) mais aussi en marketing.

P.S. Perso, j'ai de plus en plus tendance a etre nostalgique de la periode pre-internet. J'ai l'impression d'avoir ete plus "riche", plus "diverti" et moins "stresse". Est-ce grave, docteur...?

Idem ! Dans les 90s pré-Internet, je lisais religieusement mon Mad Movies, priant pour que le film ne soit pas interdit au moins de 16 ans et qu'un des cinémas provinciaux de ma ville veuille bien projeté le film qui me faisait rêver.

Après, j'allais toutes les semaines au vidéo club scruter les sorties (ne connaissant pas réellement les planning). Voir certains films en salle relevait parfois de l'exploit au collège ("Punaise ce mec à trop la classe, il a vu Une Nuit en Enfer au cinoche"). Tout ça c'est bien fini et ça tue un peu la magie de l'évènement que doit être une sortie ciné. Il y a plus la surprise de voir arriver Orange Mécanique en VHS au vidéo club On sait tout à l'avance, etc. Il y a guerre que Netflix qui arrive un peu à surprendre puisque j'ai tendance à découvrir des trucs au moment où ils arrivent dans leur catalogue. (mais là aussi la presse devient très active sur leurs productions... Marvel oblige !)

Mais bon, j'étais un ado. Maintenant j'ai un gros budget film, mais plus de temps

[bluesoul]

Comme dit l'article est centre sur Hollywood (c'est normal), mais rien qu'a voir et laisser son esprit divaguer sur les implications, ca a de quoi donner le tournis.

Annees 80s: Tron.
Annees 90s: Lawnmover Man, mais aussi
Jurassic Park
Final Fantasy
Annees 2000s: Lord of the Rings
Annees 2010: Robin Williams se suicide et laisse une clause limitant l'utilisation de son "image", bloquant ainsi tout possibilite de le CG-iser pour 1-2 decennies
Cushing et Fisher en full CGs dans Star Wars

Futur: Casablanca 2 avec le cast d'origine sur Netflix ou Amazon Prime, mais aussi comme les "droits intellectuels" de l'image de ces acteurs aura du tomber dans le droit public:
Casablanca 2 par le studio Asylum
Bogart and Bergman do Casablaca (une version XXX en full CGs ) ou
Bogart and Rains do Casablanca (une version gay-XXX en full CGs )

De nos jours, on parle de revenu universall minimum (RUM ), bibi propose le divertissement universel minimum (DUM ). Comme dit, comme a Rome, du pain et des jeux pour que les gens la ferme.

Le futur, de nos jours, ce n'est plus dans "un siecle", "50 ans", "20 ans" et sans doute meme plus dans "10 ans". Ca peut etre dans 2 ans ou l'annee d'apres.

Full CG-isation. Uber-isation. Maximisation/Rentabilistation.

Prenez l'idee du film "remonte" pour faire 1 heure qu'on a a "remplir" et appliquez au Louvre.

Mettez ainsi par exemple une camera avec un AI au-dessus de la Joconde et faites les analyser le regard des visiteurs. L'AI decouvrira que les japonais regardent les yeux, les ricains les mains, les italiens la gauche du decors, les australiens le menton et les chinois la plaque avec le nom de l'oeuvre .

Maximiser et limitez-les travaux de renovation aux zones "utiles" et en quelques decennies, vous obtenez un Picasso ou un truc cubiste.

Blague a part, les implications legales, ethiques, morales, economiques, sociales et philosophiques sont infinies.

Ca vous parait du delire, apprenez qu'Amazon fait DEJA quelque chose de similaire avec son systeme de lecteur applique aux livres qui remunere les auteurs "maison" d'Amazon (ceux qui ne publient pas chez un editeur), non plus a l'unite (de livre), mais a la page(!).

Avant, tu lisais un livre, l'auteur recevait une somme fixe, maintenant, tu ne lis que quelques pages et l'auteur recoit une somme pour ces uniques pages lues.

http://affordance.typepad.com//mon_webl ... coupe.html

En spoiler pour la posterite.

Spoiler : :

Lecture à la découpe : Amazon paiera les auteurs à la page lue.

Imaginez un monde dans lequel les auteurs (tous les auteurs : BD, romans, polars, science, essais, etc ...) seraient rémunérés non plus de manière forfaitaire en fonction du nombre de ventes mais en fonction du nombre de pages lues. Ou plus exactement, toucheraient une micro-rémunération à chaque fois qu'un lecteur lirait une des pages de leur oeuvre.

Voilà plus de 5 ans que, dans le cadre du cours sur le livre et les bibliothèques numériques que je donne aux étudiants en métiers du livre du DUT information et communication de l'université de Nantes, voilà plus de 5 ans que je leur j'annonce que cela arrivera. Si vous ne me croyez pas, relisez ce billet de Mars 2010 :

"on verra apparaître un outil de micro-paiement à destination des auteurs, construit sur le modèle pay-per-click des publicités Adsense ... les paris sont ouverts "

Ou même celui de décembre 2009 :

"derrière GoogleBooks, les intérêts de Google sont doubles : primo enterrer l’édition (et la librairie) "traditionnelle" en permettant aux auteurs de traiter directement avec lui (désintermédiation classique), et en permettant à ces mêmes auteurs de renégocier entièrement leurs droits sur le modèle adwords (= l’auteur touche un micro-paiement à chaque consultation et/ou accès de l’une de ses oeuvres)."

De toute façon je gagne toujours mes paris avec mes étudiants Mais je m'étais trompé sur un point, je pensais que ce serait Google qui tirerait le premier : ce sera Amazon.

Après la vente à la découpe, la lecture à la découpe.

Il était déjà possible d'acheter des livres à la découpe (un chapitre ou quelques pages par exemple pour les livres de recette de cuisine), ce seront donc désormais les auteurs qui seront payés "à la page lue".

L'article de The Atlantic détaille le projet : "Et si les auteurs étaient payés à chaque fois que quelqu'un tourne une page ?"

Amazon qui, dans le cadre de la lecture numérique sur sa tablette Kindle, dispose d'une volumétrie de données considérable et considérablement détaillée sur notre activité de "lecteur" souhaite donc mettre en place le modèle disruptif suivant :

"Plutôt que de payer les auteur pour chaque livre, Amazon commencera bientôt à payer les auteurs en fonction du nombre de pages lues - non pas en fonction du nombre de pages téléchargées mais du nombre de pages affichées à l'écran suffisamment longtemps pour pouvoir supposer avoir été lues."

L'impact sur la littérature même pourrait être considérable comme le souligne encore l'article de The Atlantic :

"Pour la plupart des auteurs qui publient directement via Amazon, ce nouveau modèle pourrait changer les priorités et les choix d'écriture : un système avec une rémunération à la page lue est un système qui récompense et valorise en priorité les "cliffhangers" et le suspens au-dessus de tous les autres "genres". Il récompense tout ce qui garde les lecteurs accrochés" ("hooked"), même si cela se fait au détriment de l'emphase, de la nuance et de la complexité."

Pour l'instant - et on comprend bien pourquoi - ce type de rémunération ne s'appliquera qu'aux auteurs "auto-édités" par le biais de la plateforme Kindle Direct Publishing. Et de jouer sur la corde incitative pour amener de plus en plus d'auteurs à se séparer de maisons d'éditions "classiques" au profit d'une contractualisation directe avec Amazon. Classique et éternel (à l'échelle du numérique en tout cas) processus de désintermédiation.

Rappelons ici que "l'auto-publication" selon Amazon est tout sauf un phénomène marginal réservé à quelques recueils de poèmes mal ficelés mais compte à son actif plusieurs best-sellers trustant les premières pages du classement des ventes dans plusieurs pays. On peut imaginer aisément que les premiers chiffres de rémunération qu'Amazon laissera fuiter sur son nouveau service seront suffisamment alléchants pour inciter nombre d'auteurs à opter pour ce système de rémunération à la page lue.

Mais plus que cela, Amazon ouvre ici une boîte de Pandore dans laquelle il serait très étonnant que Google (avec l'écosystème Google Books) et Apple (avec iTunes) ne tentent pas à leur tour de s'engouffrer.

AmazonPOP.

Plus globalement, ce modèle (qui encore une fois était parfaitement prévisible), s'inscrit dans la logique d'atomisation et de renversement du "travail" que je décrivais dans mon dernier billet sur les "coolies de la pop économie" : en ne payant plus les auteurs en fonction du nombre de pages "écrites" mais du nombre de pages "lues", et les algorithmes et autres DRM et dispositifs propriétaires (d'Amazon) étant les seuls à pouvoir disposer des outils de mesure permettant ce fonctionnement, les "auteurs" se trouvent à leur tour en situation de travailler "pour" les algorithmes, à la manière de journaliers guettant la notification sur smartphone du nombre de pages "lues" de leurs ouvrages chaque jour.

C'est l'évolution somme toute logique d'un marché du livre déjà sous coupe algorithmique (souvenez-vous, c'était en 2008, le contrat passé par Google avec les éditeurs américains et limité aux oeuvres "orphelines", instituait la règle selon laquelle un algorithme informatique (dans toute son opacité) présidait à la naissance d'un marché et en devenait simultanément le seul régulateur).

Petit actionnariat lectoral.

Une fois déployé, ce système pourrait également remettre en cause nombre de rentes souvent mal-acquises, redessiner des pans entiers des industries culturelles (on pourrait imaginer un système équivalent pour le cinéma ou la télé à la demande en ne facturant que le nombre de minutes réelles de visionnage). Il pourrait surtout redéfinir entièrement notre rapport à la lecture comme activité socio-culturelle "intime" ou "personnelle" et son volet "partageable".

L'article de The Atlantic prend comme exemple celui du livre "Le capital au 21ème siècle" de Thomas Piketty, pavé de 700 pages, en rappelant (nombre d'articles de presse s'en étaient fait l'écho) le paradoxe qui faisait de ce livre un best-seller en termes de vente mais dont les statistiques de lecture disponibles (notamment par le biais du Kindle) indiquaient que la plupart des gens n'en avaient lu que quelques pages. Nous avons, en tant que lecteurs, tous déjà achetés des livres qui nous sont tombés des mains après quelques pages.

<Mise à jour> Comme le souligne également Archimag :

"Eric Zemmour a vendu plus de 400 000 exemplaires de son essai "Le suicide français". Mais seulement 7,3 % des lecteurs l'ont lu jusqu'à la fin ! L'économiste Thomas Piketty fait un peu mieux : 9,7 % des lecteurs ont terminé son pavé de près de 1 000 pages (Le capital au XXI​​ème siècle). Encore mieux, le dernier roman de Patrick Modiano, Prix Nobel 2014 (Pour que tu ne te perdes pas dans le quartier) affiche un honorable taux de 44 %. Quant à Valérie Trierweiller (Merci pour ce moment), son score d'achèvement est, de loin, le meilleur : environ 66 % des lecteurs sont allés au terme des mésaventures sentimentales de l'ex compagne de François Hollande."

</Mise à jour>

La question est de savoir ce que deviennent les auteurs de ces livres avec un modèle de rémunération à la page lue, comment ils s'adapteront et adapteront leur production littéraire à ce nouveau modèle, tout autant porteur de nouvelles opportunités que de risques considérables. La question est aussi de savoir de quel nouveau sentiment de toute puissance - ou de culpabilité - se sentira investi le lecteur dans le cadre d'un système de rémunération à la page des auteurs, se trouvant pris dans les rêts d'un nouveau "petit actionnariat" de la lecture.

L'angoisse de la page blanche non-lue.

Après l'offre Kindle Unlimited (accès intégral au catalogue d'Amazon pour moins de 10 dollars par mois), Amazon, avec l'annonce de ce nouveau service, poursuit son travail d'exploration des opportunités de la "pop économie". Sa place de leader incontesté et incontestable à la fois sur le secteur de la vente de livres mais également sur celui des dispositifs de lecture (le Kindle occupe plus de 50% des parts de marché mondiales) confère à cette annonce une portée absolument considérable qui pourrait définitivement achever de démanteler (version pessimiste) ou de remodeler (version optimiste) ce que l'on appelait jusqu'ici la "chaîne du livre".

Pour le savoir il faudra attendre la réaction des auteurs (je prends le pari qu'elle sera pour l'essentiel positive) et surtout celle des éditeurs (dont l'inertie et la capacité à maintenir depuis plus d'un siècle un modèle de rente dans lequel les auteurs touchent moins de 5% du prix de vente d'un livre suffira à justifier l'engouement des mêmes auteurs pour une alternative qui bien que dangereuse leur apparaîtra - dans un 1er temps - surtout prometteuse). Une chose est sûre, après l'angoisse de la page blanche, Amazon vient d'inventer l'angoisse de la page non-lue.

Ad Sens(e) de lecture.

A l'instar du modèle AdWords / Adsense de Google qui rémunère les auteurs de pages web au taux de clic mais constitue surtout la première et quasi-unique source de revenus de la firme, le modèle de rémunération à la page lue proposé par Amazon se veut une sorte "d'AdSense / AdWords" de la lecture qui a pour objectif premier de renforcer la trésorerie de la firme. A ceci près qu'il lui ôte - à la lecture - tout son sens. En tout cas ce qui fut son sens depuis l'invention de l'imprimerie. Le web se vendait à la régie publicitaire de Google au CPC (cost per click), la littérature se vendra bien à Amazon au CPPR (cost per page read).

AdWords avait consacré la mise aux enchères du vocabulaire, avait fait du lexique, de la langue, un marché comme les autres (modèle du capitalisme linguistique de Frédéric Kaplan). Le modèle de rémunération des auteurs à la page lue transforme l'activité de lecture pour en faire un "indicateur", une "variable" permettant toutes les spéculations mais aussi tous les détournements.

Après avoir cassé ce droit fondamental qui est celui de la confidentialité de l'acte de lecture, Amazon s'apprête désormais à le monétiser. Pop économie et salariat algorithmique. Et toujours ces secteurs - celui de la langue -, toujours ces moments - celui de la lecture - que l'on pensait préservés de la sphère marchande et qui s'y trouvent systématiquement soumis et aliénés. Plus aucun espace-temps, pas même celui du jeu, qui ne fonctionne comme un système de remise à la tâche, qui ne soit un cheval de troie marketing ou un salariat algorithmique à peine masqué.

Se souvenir du mal que les DRM ont fait aux droits du lecteur (de livres numériques). Se souvenir aussi de Pennac, comme un roman, et son droit de ne pas lire, son droit de sauter des pages ... De ce que ces droits deviendront lorsque les auteurs seront payés à la page lue ...

L'industrie de la lecture.

Jamais en tout cas l'expression d'Alain Giffard à propos des "lectures industrielles" n'aura été aussi adaptée. A ceci près qu'elle désignait originellement la capacité des algorithmes et autres crawlers à parcourir les pages web pour les indexer et offrir ensuite un accès à ces mêmes pages.

Le modèle de rémunération à la page lue d'Amazon consacre et institue l'industrie de la lecture avec son cortège d'ouvriers "d'auteurs spécialisés" et de "contremaîtres lectoraux" tous soumis aux mêmes patronats algorithmiques fondés sur le contrôle des métriques et des données disponibles au travers de cette liberté essentielle que nous avons - malgré nous - abandonnée en refusant de l'envisager comme absolument essentielle à l'existence même de la démocratie : la liberté que nous conférait la confidentialité de l'acte de lecture. Qu'il nous faut à toute force et de toute hâte reconquérir. Si nous sommes encore capable d'en comprendre la valeur.

<Mise à jour du lendemain>

Cet article a été repris sur Rue89

Lire aussi l'article de Guillaume Champeau sur Numérama. Extrait :

"Amazon a ainsi inventé un "Kindle Edition Normalized Page Count" (KENPC), qui prend en compte la taille des polices, l'espacement entre les lignes ou les images, pour déterminer la rémunération appropriée. Le marchand assure que le genre sera pris en compte pour ne pas handicaper de livres exigeants qui demandent moins de pages pour dire plus de choses, mais l'on demande à voir. D'autant qu'Amazon annonce clairement qu'un livre de 200 pages abandonné au milieu sera payé autant qu'un livre de 100 pages lu jusqu'au bout."

Slate.fr, Presse-Citron, 01.net et Libé en causent aussi.

Je me dis que les choses vont devenir "interessantes", mais quand je dis ca, je frisonne parce que ca me donne une sacree petoche!

[Cosmodog]

Je n'ai aucun problème avec la "CGIsation". Deja parce que je pense que son utilisation majoritaire c'est pas pour demain, mais surtout parce que sur le fond ça n'empêche pas de faire de bons films.